«Riverdance: The Animated Adventure» reinventa un musical icónico

Desarrollar y producir una película animada es un proyecto difícil, incluso en las mejores condiciones. Pero cuando su material de origen es un musical amado (¡uno sin palabras ni una historia real!) que se ha exhibido en todo el mundo durante un cuarto de siglo, los desafíos creativos son el doble.

Por lo tanto, lo que es aún más milagroso es que cinco años después de que la productora de animación y efectos visuales Cinesite anunciara por primera vez el proyecto, Riverdance: Aventura animada ha llegado. Producida por Aniveventure y River Productions, y con los talentos vocales de Pierce Brosnan, Brendan Gleeson, Lily Singh y John Kavanagh, con nueva música para el ganador del Grammy Bill Whelan, la película se estrena hoy, 14 de enero en EE. UU. en Netflix.

La película sigue a un niño irlandés llamado Keegan y una niña española llamada Moya mientras viajan al mundo mítico de Megaloceros Giganteus (un ciervo irlandés extinto, para cualquiera que no lo sepa), donde aprenden a apreciar Riverdance como una celebración de la vida. .

Tuvimos una conversación prolongada con el director Eamonn Butler y el director/coguionista Dave Rosenbaum, quien también se desempeña como director creativo de Cinesite y Aniveventure, sobre los riesgos y las recompensas de asumir un proyecto tan desafiante y sobre lo que se necesitaría para transformar una pieza puramente coreografiada en una historia animada autorizada, original y atractiva.

ARISTA: Ambos tienen mucha experiencia con la animación y desde hace un tiempo está claro que se están dirigiendo hacia el lado IP de las cosas. ¿Por qué elegiste esta como tu primera película?

Mayordomo de Eamonn: Soy un chico irlandés, y esto me habló. yo estaba allí cuando Danza del río Lanzado la primera vez. Lo viví de primera mano y me impactó mucho, como lo ha hecho en todo el país. Danza del río Luego se hizo famoso en todo el mundo, por lo que ya había público. Riverdance: la película animada. Ha reducido el riesgo de sacar una película y luego tener que hacer crecer su audiencia con técnicas de marketing estándar, lo cual es un riesgo mucho mayor.

Además, es un espectáculo muy popular entre la generación anterior. Nos dimos cuenta de que a los abuelos les gustaba mucho y descubrimos que a menudo presentaban el programa a sus nietos. Ese fue un episodio increíblemente amplio para nosotros, que definitivamente se filtra en los personajes y la historia.

David Rosenbaum: Una de las cosas que amamos de esta música fue el hecho de que no había palabras. Nos impresionó la interpretación física de los bailarines y pensamos que era perfecto para la animación en términos de expresarlo a través de la energía, la pasión, el atletismo y la disciplina. Esto es lo que hacen los animadores también. También sentimos que era un escenario lo suficientemente específico sobre una cultura en particular, para hacerlo especial y único. Creo que ese también era el atractivo, que sería un poco más difícil y que era algo que nuestros competidores podrían no manejar. Esto lo hizo emocionante para nosotros.

ARISTA: La forma en que se produjo la coreografía y se tradujo a la animación fue diferente a todo lo que se había hecho anteriormente. ¿Utilizaste mucho la captura de movimiento? ¿Cómo fue el proceso?

EB: Es una forma de baile muy técnica, muy técnica y muy rápida. Descubrimos que no hay suficientes neumáticos para capturar la velocidad a la que se mueven sus pies. Quería asegurarme de que lo hiciéramos bien porque la gente pasa años aprendiendo cómo hacerlo. Nunca tuvimos la intención de usar la captura de movimiento directamente porque teníamos que traducir el baile de los humanos bípedos en humanos más caricaturescos, así como en ciervos gigantes. Pero la captura de movimiento se ha convertido en una importante herramienta de referencia. Descubrimos que brindarles a los animadores referencias a esto los mantuvo enfocados y honestos, y pudimos aumentarlo y mantenerlo saludable.

Trabajamos de cerca con Padraic Moyles, el coreógrafo del espectáculo, quien incorporó a todos los bailarines principales de la versión actual del espectáculo teatral. Fue increíble que viniera ese talento y nos ayudara a realizar estos bailes con precisión. Tuve que filmar en cámara superlenta solo para capturar lo que hacían los pies. Cuando lo traduces a 24 fps, tienes que elegir qué pasos se leen para cada cuadro, pero estoy muy contento de que hayamos hecho ese esfuerzo. Diría que tenemos un 90% de precisión con lo que está en el cine, y luego nos divertimos un poco aquí y allá y lo cambiamos para hacerlo más cinematográfico.

En algunos casos, pudimos hacer lo que ellos no podían hacer en el espectáculo teatral. Por ejemplo, en algún momento, ellos [the stage show’s producers] Querían cubrir el escenario con agua, para que los bailarines entraran y chapotearan. Pero técnicamente, fue todo un desafío para ellos. Pero sabíamos que querían hacerlo, y eso influyó definitivamente en nuestra decisión de que Moya bailara sobre el agua.

ARISTA: ¿Cómo hiciste una historia del espectáculo teatral? ¿Cómo recopilaste e integraste los diversos elementos de danza de la película?

Médico: Como saben, un espectáculo teatral no tenía historia, era más un viaje musical. Tomamos sus famosas secuencias de baile como los postes de nuestra carpa y comenzamos a diseñar alrededor de ellas. Tenemos el baile en línea clásico, el baile en línea irlandés hecho por ciervos, el baile de zapatos suaves hecho por Moya en el río. Tenemos flamenco, derviche ruso, y luego la final recoge muchos de ellos.

En el caso del flamenco, por ejemplo, que se llama “Firedance”, le preguntamos a la bailaora por qué se llama así. Bailando y moviendo las manos, dijo, imagina bolas de fuego que ella controla. Ahora, en la animación, podemos poner las bolas de fuego allí. Es una forma de ayudar al público más joven a visualizar lo que se supone que deben hacer algunos de estos bailes y bailarines, y también trae un poco de historia que explica por qué el número de baile específico aparece en el espectáculo escénico. Hicimos esto para cada secuencia.

Hemos trabajado de cerca con [composer] Bill Whelan, quien ha investigado mucho sobre la historia detrás de por qué hicieron algunos de esos bailes. El latido del corazón de la película es definitivamente la música de Bill. Sabíamos que queríamos los sonidos que el público anhelaba desde hace 25 años, pero también sabíamos que teníamos a este increíble colaborador que siempre se reinventaba y quería traer nueva música. Dimos vueltas de un lado a otro e hicimos combinaciones. Así es como realmente hacemos todas las películas. Es solo de ida y vuelta.

EB: Creo que David hizo un gran trabajo al armar una narrativa que conecta todas estas piezas musicales y las reutiliza, de alguna manera, para apoyar la historia que se nos ocurrió. Esto nos permitió disfrutar siguiendo a un personaje en su viaje y también tener números de baile que no se sentían estancados o que te sacaban de la historia, pero que también te empujaban hacia el final.

ARISTA: La cultura irlandesa e irlandesa es claramente una gran parte de Riverdance. ¿Qué hizo para asegurarse de que el diseño y otros aspectos de la producción fueran fieles a su herencia irlandesa?

Médico: Era muy importante contratar a un diseñador de producción irlandés, por eso elegimos a Paul Bolger. Definitivamente queríamos a alguien que pudiera aportarle algo de autenticidad. Por supuesto, Eamonn es irlandés, nuestros productores son todos irlandeses, definitivamente teníamos un grupo irlandés bastante grande. Pero como todos vienen de diferentes regiones, todos discutían sobre la mejor manera de hacer las cosas. Una cosa que he aprendido es que nadie en Irlanda está de acuerdo con nada.

EB: Creo que lo que todos queríamos evitar era un irlandés con problemas. Queríamos evitar lo de la lepra. Queríamos evitar ollas de oro, porque eso se hacía hasta la muerte. Queríamos asegurarnos de que los irlandeses estuvieran orgullosos de la película que hicimos. Pero, como bien dijo Dave, discutimos sobre diferentes pronunciaciones y diferentes esquemas de color. Analizamos todos los diseños celtas que la gente conoce tan bien y decidimos simplificarlos y combinarlos con astas de ciervo. Esta fue una forma muy divertida de renovar y actualizar los antiguos motivos celtas.

Alrededor de dos tercios de la película, Keegan ingresa a una región celta muy antigua, Newgrange. Somos muy honestos sobre esa impronta, su diseño. En el interior, aprovechamos algunas oportunidades creativas con diseños celtas más antiguos. Pero lo que había allí ayudó a cimentar la historia, en lugar de simplemente restregársela en la cara a la gente. Creo que esto funcionó muy bien.

ARISTA: ¿Cuáles son los mayores desafíos que enfrentó con esta película, en su opinión?

EB: Obviamente, como se mencionó anteriormente, convertir el programa en una historia fue realmente emocionante y desafiante. No hay canto que te cuente una historia. No hay listado. La música literalmente te dice cómo te sientes. Tuvimos que reinterpretar esa música y usarla como una tabla de ritmos para ayudarnos a entender dónde debería aterrizar nuestra historia. Ese fue un gran desafío, pero también fue una gran liberación. Creo firmemente que a veces las limitaciones pueden ser muy creativas. Al final, fue sorprendente que todos nuestros ritmos emocionales funcionaran tan bien a través de la música incluso antes de que nos metiéramos en ella.

Médico: Agregaría que encontrar a los actores adecuados y trabajar con ellos para hacer una película que sea auténtica para Irlanda y el pueblo irlandés, pero que también esté al alcance del mundo. Es difícil hacer una película sobre una cultura en particular que todo el mundo pueda abrazar. Creo que un actor como Pierce Brosnan es perfecto para nuestra película porque, por supuesto, la gente lo conoce por las películas de James Bond, pero en realidad es irlandés. Y nuestro narrador, Brendan Gleeson y John Kavanagh, buscamos a algunos de los mejores comediantes de Irlanda.

Para la niña, el personaje de Moya, no había un personaje así en el espectáculo teatral, pero el flamenco era una parte muy importante, y el espectáculo hace un gran trabajo al decir que todas estas diferentes nacionalidades se relacionan entre sí. Río. Realmente queríamos construir sobre eso, así que pensamos que la niña podría venir de España. Hana Hermann Cortez, que interpreta a Moya, es en realidad de la ciudad española donde se originó el flamenco.

La producción teatral se entrelaza entre los artistas rusos, los artistas de Nueva York y los artistas españoles. Realmente queríamos hacer eso con el elenco de voces. Por supuesto, no quieres elegir a alguien solo porque es de un lugar determinado, quieres asegurarte de que sea el mejor actor en ese segmento. Creo que lo logramos. Estoy muy orgulloso de la tripulación.

ARISTA: ¿Algún último pensamiento?

Médico: No hace falta decir que este es un momento extraño para filmar películas. Simplemente creo que la comunidad y la celebración de la vida, y el reconocimiento de esa conexión que todos tenemos, son tan importantes en este momento. Esos fueron los temas que, mientras continuaba el COVID, tratamos de solidificar y fortalecerlo. Al final, todos tienen que celebrar la vida. Esto es lo más importante que hacer en tiempos como estos.

Dan Sarto es el editor y editor en jefe de Animation World Network.