Fotografía de «Bardot» – IndieWire

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¿Cómo hacer un lenguaje cinematográfico del subconsciente? Este fue el desafío que enfrentaron el director Alejandro González Iñárritu y el director de fotografía Darius Khondji con Bardo, una película que surgió de los sueños, recuerdos y fantasías de Iñárritu. «No hay historia, ni estructura, ni trama», dijo Iñárritu a IndieWire. «Solo hay un paisaje mental del personaje». Trabajando con Khondji por primera vez cuando su colaborador habitual Emmanuel “Chivo” Lubezki fue contratado para otro proyecto, Iñárritu descubrió que tenía el socio perfecto para traducir sus experiencias personales en imágenes. «Fue un gran honor encontrar otro hermano tan tarde en mi vida».

Las conversaciones iniciales de Khondji e Iñárritu fueron más sobre el cine que sobre la esencia de lo que el cine necesita transmitir. «Desde el principio, quería que yo entendiera cuán personal era la historia», dijo Khondji. «Me habló sobre los personajes antes de enviarme el guión. Después de un par de conversaciones con él, realmente entendí la historia y cómo quería contarla frente a la cámara. Luego me envió el guión y fue increíble. probablemente el mejor guión que he leído nunca».

Para Kongy, recién nominado al Oscar iraní-francés, el papel central de México en el guión fue particularmente emocionante, ya que le ofreció la oportunidad de descubrir un nuevo país junto con un cineasta cuya identidad como artista se forjó allí. Una vez que Khonji aceptó filmar la película, viajó a México y pasó un largo período de preparación solo para caminar por las calles con su director.

“México era muy exótico y nuevo para mí”, dijo Khondji. «Las sensaciones de la ciudad y la gente fueron muy emocionantes. Alejandro me mostró el centro de la Ciudad de México y hablamos de cosas como filmar una escena al anochecer que comienza con la luz del día y luego pasa por un eclipse para que el mundo caiga en la oscuridad. Fue una enfoque más espiritual de la preparación, aunque comenzamos poco a poco, lo pensamos en términos más técnicos”.

«Bardot»

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Como Iñárritu quería que el público se sintiera inmerso en las vivencias de su personaje principal, se tomó la decisión de rodar la película con lentes gran angular en una ALEXA 65 de gran formato, con la cámara en constante movimiento. «Queríamos que Silvero se sintiera más grande que la vida y queríamos que se sintiera cerca de él», dijo Khondji. “Pero también queríamos estos rincones donde siempre puedes estar al tanto del mundo que lo rodea: sus amigos, su familia, su gente en el desierto, la ciudad y sus edificios”. Khondji sintió que la ALEXA 65 hacía que la presencia de los actores se sintiera más grande de lo que tendría el efecto de una cámara con sensor digital de 35 mm o normal, y que combinada con una lente de aproximadamente 17 mm le daría el efecto que deseaba.

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También creó grandes desafíos para Khondji en términos de iluminación. «Técnicamente, fue una locura», dijo Iñárritu. «Ves todo y la cámara hace una panorámica de 360 ​​grados, entonces, ¿cómo ocultas las luces para que no se vea duro sino elegante y natural?» La escena central de la película, que tiene lugar en el famoso California Dance Club en la Ciudad de México, es un buen ejemplo, ya que la cámara gira alrededor de Silvero en un plano largo e ininterrumpido con una profundidad de campo aparentemente infinita. “Fue un desafío muy grande”, dijo Khondji. «Estaba pensando constantemente: ‘No hay lugar para esconder las luces’. El gran angular lo ve todo todo el tiempo».

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La solución de Khondji fue confiar completamente en aplicaciones prácticas: miles de luces que estaban, como figuras y cámaras, en constante movimiento, sincronizadas con precisión para bailar y música. «Todo estaba en señales con luces en movimiento», dijo, y señaló que las luces se atenuarían o desaparecerían justo cuando la cámara se moviera un grado, según el plan de Iñárritu. «Alejandro había planeado y diseñado todo antes de rodar, lo que lo hizo aún mejor para nosotros. Fue una película bien hecha». Desde la perspectiva de Iñárritu, coordinar la iluminación, el movimiento de cámara y la música fue fundamental. «Estábamos tratando de simular la forma en que la vida es un movimiento constante», dijo. “A través del movimiento, la música y los cambios de luz, transmites diferentes sensaciones y cambias los sentimientos”.

Si bien el arte de Khondji es evidente en piezas estáticas como la secuencia de un club de baile de California o escenas de multitudes masivas ambientadas en el desierto, no es menos impresionante en las escenas más tiernas y humildes de casas y apartamentos; de alguna manera, estos momentos en espacios más pequeños fueron Más difícil cuando se trata de enmascarar luces y equipos. Para complicar el trabajo, Khandji se da cuenta de que las demandas técnicas exigen tanto del elenco como del equipo, y su insistencia en que es su trabajo adaptarse a esto y crear un entorno que facilite su mejor trabajo.

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«Incluso si estamos filmando un apartamento en un escenario, quiero que el actor sienta el ambiente de la luz que viene del exterior, la luz exterior de México», dijo Khondji. «Y no se trata solo de lo que hay en el encuadre. El mundo fuera del encuadre es muy importante. Es bueno no tener banderas o equipo en el camino de la mirada de un actor porque quiero que sientan el espectáculo». La filosofía de Khondji es que si los actores sienten la realidad de una escena y él la capta con su cámara, el público también la sentirá. «El mundo del cine no es solo técnico. Se trata de sentir el mundo que rodea a los actores y volverse hacia ellos». La experiencia técnica de Khondji combinada con su sentido intuitivo de cómo capturar y transmitir emociones dejó a Iñárritu convencido de que había tomado la decisión correcta. “Muy pocos directores de fotografía pueden hacer lo que él hizo en esta película”, dijo el director. “Se requiere un maestro como Darius Khondji”.