La española Elena López Riera aborda el folclore, el destino y la resiliencia de las mujeres solteras

Centrándose en las heroínas, la directora española Elena López-Rera rompe con los viejos tropos de promiscuidad, deseo y destinos sellados que suelen dictar en su primer largometraje, «El Agua».

La película fue vendida por Elle Driver encabezada por Adeline Fontan-Tessau a proyección internacional y distribuida en España por Filmin («Lucas») y la productora Maria Zamora y la distribuidora Enrique Costa’s Elastica Films («Alcarrès»). Las imágenes documentales se encuentran dispersas por todas partes para resaltar la narrativa cruda. The Other Foot traza vagamente los límites de la tradición siniestra tejida a través de la narrativa como un hilo delgado, siempre debajo de la superficie de las escenas que tratan sobre el amor joven, los fuertes lazos femeninos y el deseo de escapar de todo y empezar de nuevo.

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«El Agua» es una coproducción de Alina FIlms de Suiza («Azor»), Suica Films de España («Sopa de langosta») y Les Films du Worso («Tumbuktu»), en conjunto con la emisora ​​pública suiza Radio Télévision Suisse.

Antes del estreno mundial de la película en Cannes Manager’s Week el viernes, López Riera, cuyo cortometraje «Pueblo», previamente estrenado, apareció en el festival en 2015, habló con diverso Sobre el sufismo y su abordaje en el cine.

La película toca el destino que nos otorgó, el destino que nos imponemos a nosotros mismos. ¿Crees que las personas pueden escapar de su destino?

espero eso. Siempre me ha interesado mucho esta idea del destino porque creo que, en el imaginario colectivo, funciona como un mecanismo interno por el cual muchas personas justifican sus acciones, o mejor dicho, sus inacciones, sus inercias. En la película tratamos de darle la vuelta a esta idea de destino, y tratamos de abordarla como una idea por la cual la sociedad trata de imponer ciertos comportamientos, especialmente en el caso de las mujeres. Desde tiempos inmemoriales, el destino se ha utilizado como una herramienta para infundir miedo, reprimir deseos y aceptar una estructura social establecida a través de mitos, creencias y cuentos populares. Con la película queríamos hacer la misma pregunta: ¿es posible, si existe, escapar de nuestro destino? La respuesta está en la protagonista, una joven que, a pesar de todo, intentará reescribir su historia.

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¿Puedes hablar sobre cómo los mitos se arraigan y se convierten en un tejido de sociedades, transmitido de generación en generación?

Siento que los mitos fueron y siguen siendo parte esencial del imaginario colectivo, porque es a través de ellos que cristalizan los sentimientos y las ideas importantes para una parte de la sociedad. Creo firmemente que los mitos no son algo primitivo ni deben asociarse a comunidades remotas. En el mundo moderno, en las megaciudades, los mitos también se crean constantemente, solo hay que mirar el auge de la astrología en los últimos tiempos. Necesitamos algo más en lo que creer.

Cinematográficamente, «El agua» permite al espectador sentir el tiempo, el lánguido calor del verano y la angustiosa incertidumbre del primer amor. ¿Cómo lograste esto mientras filmabas?

La idea en concreto era prestar más atención a los momentos pendientes que a las acciones, para enfatizar el tiempo suspendido del verano y la sensación de que no había futuro entre los jóvenes de esa zona. Para ello hemos trabajado durante mucho tiempo con el DOP Giuseppe Truppi y con el asesor técnico y guionista Felipe Azuri, así como con el diseñador de arte Miguel Angel Repollo, a la hora de elegir lugares, tiempos y encuadres de cámara. La idea era estar lo más cerca posible de los cuerpos de los actores y enfrentarlos con la realidad de un terreno accidentado, abrasado por el verano y envuelto en vibraciones eléctricas antes de una tormenta masiva. También fue importante para mí trabajar con un elenco muy pequeño (no teníamos más de 10 personas en el set), lo que permitió que los actores se sintieran libres. La premisa siempre ha sido la obra de ficción como si fuera un documental como si fuera ficción.

¿Puede hablar sobre su uso de escenas de estilo documental para mejorar la narrativa?

Para mí es difícil diferenciar entre realidad y ficción, quizás por mi educación, la forma en que las mujeres de mi pueblo me enseñaron a contar historias. Lo mismo con el cine. Vengo del cine documental, al menos de una manera de retratar y acercarme a la realidad de una manera muy inmediata, muy profunda. Para esta película era importante poner al mismo nivel todo tipo de registros: documental, ficción, archivo, fotos de redes sociales, porque para mí todas las fotos tienen el mismo valor, y eso es algo que trabajamos meticulosamente con mi editor Rafael Lefevre. En el caso particular de las mujeres que hablan a la cámara y nos cuentan partes de la leyenda, era importante utilizar un registro documental clásico, un poco de la vieja escuela como los jefes parlantes, para resaltar sus palabras de la manera más honesta y veraz. Quizás.

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