Santiago Mohar Fulco desglosa la selección mexicana de Rotterdam ‘Una historia de amor y guerra’

El cineasta distante Santiago Mohar Fulco (“Los Muertos”) presentará al público su cuarta película “La Historia de Amor y Guerra” (“Una Historia de Amor y de Guerra”) en el 53º Festival Internacional de Cine de Rotterdam.

Es un examen irónico de la historia colonial de México y la naturaleza dual de la gran riqueza, y la película se desarrolla como parte de Harbour Strand, dedicada a una amplia gama de narrativas contemporáneas.

La historia comienza con el magnate inmobiliario mimado y corrupto Pepe Sanzez Campo (Andrew Leland Rogers) mientras avanzan sus planes para desarrollar un mega centro comercial, y una propuesta de compromiso para su rica amante Constanza (Lucía Gómez Robledo) resulta exitosa.

Cuando las fuerzas armadas cuestionan sus derechos territoriales y una trillada despedida de soltero se vuelve tensa después de que el amante de su prometida, Teo (Dario Yazbek Bernal), cambia el rumbo, Pepe se enfrenta a un ajuste de cuentas que descarrila su futuro privilegiado.

El proyecto, que ofrece una risa satisfactoria a través de la corrupción y la traición, se basa en una fantasía cobarde y, en última instancia, Pepe se convierte en un símbolo del pasado brutal del país y en una herramienta utilizada para examinar la desigualdad restante.

“Historia de amor y guerra” fue producida por Mohar Volco, Santiago de la Paz Nicolau, Santiago Dosal, Jonathan David y Juan Sarques en las productoras de la Ciudad de México Nómadas (“Sísifos”), Laredo 17 (“Natural”) y Edge Films . (“Modu Afiaw”). Los créditos de producción ejecutiva son para Alejandro Quintero, Juan Simons, García Rulfo, Yazbek Bernal y Leland Rogers.

Manuel García Rulfo (“El abogado de Lincoln”), Aldo Escalante (“Club De Cuervos”), Mónica del Carmen (“Año bisiesto”), Florencia Ríos (“Los días más oscuros de nosotros”), Santiago Espejo (“VGLY”) Sharon Kleinberg y Sophie Gomez (“Monarca”) completan el elenco de élite, con apariciones especiales de Hernán del Rego (“Juana Inés”), Patricia Bernal (“Pobre Rico, Pobre”) y Teresa Sánchez (“Dos Estaciones”).

Antes del estreno público de la película el 31 de enero, Mohar Folku habló con diverso Sobre el proyecto.

México es el lienzo perfecto para sus elecciones estilísticas audaces y vibrantes, que están a la vez estancadas en el pasado y absolutamente modernas. El ella‘No hay duda de que la estética es una parte importante de tu mundo cinematográfico. ¿Puedes hablarnos de cómo llegaste a tu propio estilo?

La mayoría de las películas y directores que me gustan tienen fuertes estilos barrocos. Creo que cuando uno finalmente tiene la oportunidad de hacer una película, es natural hacer algo que usted, como parte del público, disfrute. Estoy aburrido y harto de las limitaciones sofocantes de la naturaleza actual que caracterizan a la mayor parte del cine contemporáneo, especialmente en México, donde a menudo es difícil distinguir una película de otra.

Es casi contrario a la intuición adaptar este estilo internacional a nuestras historias cuando nuestra historia y cultura son esencialmente barrocas. Me gusta pensar que este compromiso lúdico con la forma y la ruptura con los imperativos del realismo tradicional también resultará más atractivo para un público más amplio que suele estar bastante alejado del llamado cine de autor.

El estilo de vida de los ricos y famosos se presta fácilmente al absurdo que usted representa en sus proyectos y habla de privilegios y jerarquías de clases en muchas de sus películas. ¿Qué tiene de atractivo estudiar las luchas del proletariado, el vicio de la burguesía?

La rampante desigualdad con la que estamos acostumbrados a vivir en México es una realidad completamente absurda, y se vuelve aún más extraña cuando consideramos que ya no la vemos como una anomalía. Esta extraña dinámica entre un mundo que no tiene sentido y una sensibilidad que de alguna manera logra encontrar lógica en su interior es la experiencia esencial de México, muy difícil de entender pero con la que vivimos todos los días. Hacer una película ambientada en este lugar lleva inevitablemente, al menos a nivel personal, a intentar explicar, a comprender más por qué las cosas son como son.

¿Cuál es el aspecto más desafiante de trabajar dentro de un marco cómico y satírico para explorar temas sociales importantes y por qué el producto final suele ser tan bueno cuando se hace bien?

La comedia siempre es un desafío porque siempre corre el riesgo de ser ridiculizada. Cuando esto se hace dentro de un tema que es moderno y razonable para una audiencia contemporánea, existe un riesgo general de crueldad que naturalmente tratamos de evitar. Pero, a veces, lo que puede parecer crueldad es en realidad una forma de revelación, y cuando eso se logra, creo que algo verdaderamente grandioso ha salido a la luz.

También existen aspectos sociales y políticos al abordar eventos y temas que pueden provocar algún tipo de reacción, algo que se vuelve más inquietante a medida que las películas crecen. Productoras, estudios y plataformas tienen que lidiar todo el tiempo con este tipo de problemas, y no hay salida fácil ya que hay mucho dinero de por medio, pero no hay duda que repercute en que las películas sean menos atrevidas y peligrosas en ambos sentidos. materia y forma.

Afortunadamente, esta es una foto pequeña y realmente teníamos total libertad para hacer y decir lo que quisiéramos. No me sorprende la recepción mixta que recibió la película, incluso en su corta duración antes de su estreno real. No creo que nadie pueda hacer una película hoy en día y no esperar algún tipo de rechazo, por eso es importante tomar las críticas críticamente y aceptar que, en algunos casos, el rechazo y la división son en realidad elogios.

Las conmovedoras palabras de James Baldwin se utilizan para abrir la película: «La gente está atrapada en la historia y la historia está dentro de ellos”. ¿Cómo incorporaste este sentimiento al proyecto?

La afirmación de Baldwin es brutal y absolutamente cierta. Aunque lo leas en otro contexto, el artículo en el que lo encontré no tiene casi nada que ver con la trama de la película, es una definición hermosa y poética de lo que es nuestra existencia política que se sostiene dondequiera que la pongas. Esto suena cierto cuando pensamos en nosotros mismos en el contexto histórico de nuestros países o incluso de nuestras familias, así que pensé en eso cuando escribí el guión, tratando de entender a los personajes no sólo como agentes de su historia, sino como personas poco animadas. representaciones. De los traumas de nuestra historia.